Musikk er en betydelig del av verdens kultur, uten den ville verden vår blitt mye fattigere. Musikalsk kultur er et middel til personlighetsdannelse, den utdanner den estetiske oppfatningen av verden hos en person, hjelper til å kjenne verden gjennom følelser og assosiasjoner til lyder. Det antas at musikk utvikler hørsel og abstrakt tenking. Forståelse av lydharmoni er like bra for musikk som å gjøre matematikk. Vi vil fortelle deg om dannelsen og utviklingen av musikalsk kultur og hvorfor folk trenger denne kunsten.
Konseptet
Musikk spiller en spesiell rolle i menneskelivet, siden gamle tider har lyder fascinert mennesker, kastet dem i transe, hjulpet med å uttrykke følelser og utvikle fantasi. Kloke mennesker kaller musikk et speil av sjelen, det er en form for emosjonell erkjennelse av verden. Derfor begynner musikalsk kultur å danne i begynnelsen av menneskehetens fremvekst. Hun følger med vår sivilisasjon helt fra begynnelsen. I dag forstås begrepet "musikalsk kultur" for å bety helheten av musikalske verdier, systemet for deres funksjon i samfunnet og måtene å reprodusere dem på.
I tale brukes dette begrepet sammen med synonymer som musikk eller musikalsk kunst. For et individ er musikalsk kultur en integrert del av allmenn estetisk utdanning. Det danner en persons smak, hans indre, individuelle kultur. Anerkjennelse av denne kunstformen har en transformativ effekt på personens personlighet. Derfor er det så viktig å mestre musikk fra barndommen, lære å forstå og oppfatte den.
Teoretikere mener at musikalsk kultur er en sammensatt kompleks helhet, som inkluderer evnen til å navigere i stilene, sjangrene og retningene for denne kunstformen, kunnskap om musikkens teori og estetikk, smak, emosjonell respons på melodier og evnen til å trekke ut semantisk innhold fra lyd. Også i dette komplekset kan det være utøvelses- og skriveferdigheter. Den berømte filosofen og kunstteoretikeren M.S. Kagan mente at musikalsk kultur kan skilles ut ved en individuell dimensjon, dvs. nivået til en individuell person, hennes kunnskap, ferdigheter innen dette kunstområdet, så vel som gruppenivå, som er knyttet til visse subkulturer og alderssegmenter i samfunnet. I sistnevnte tilfelle snakker forskeren om musikalsk utdanning og utvikling av barn.
Musikkfunksjoner
Et så komplekst og viktig fenomen av kunst, som musikk, er ekstremt nødvendig for både en individuell person og samfunnet som helhet. Denne kunsten utfører en rekke sosiale og psykologiske funksjoner:
1. Formative. Musikk er involvert i utviklingen av den menneskelige personligheten. Dannelsen av den enkeltes musikalske kultur påvirker dens utvikling, smak og sosialisering.
2. Kognitiv. Gjennom lyder formidler mennesker sensasjoner, bilder, følelser. Musikk er en slags refleksjon av verden.
3. Pedagogisk. Som enhver kunst, er musikken i stand til å forme visse rent menneskelige egenskaper hos mennesker. Det er ikke forgjeves at det er et synspunkt at evnen til å lytte og skape musikk skiller en person fra et dyr.
4. Mobilisering og utkast. Musikk kan stimulere en person til handling. Det er ikke forgjeves at det er marsjerende melodier, arbeidssanger som forbedrer menneskers aktiviteter og pynter dem.
5. Estetisk. Likevel er kunstens viktigste funksjon evnen til å gi en person glede. Musikk gir følelser, fyller menneskers liv med åndelig innhold og gir ren glede.
Strukturen til musikalsk kultur
Som et sosialt fenomen og en del av kunsten er musikk en sammensatt formasjon. I bred forstand er det i sin struktur:
1. Musikalske verdier produsert og sendt i samfunnet. Dette er grunnlaget for musikalsk kultur, som sikrer kontinuiteten i historiske epoker. Verdier lar oss forstå essensen i verden og samfunn, de er åndelige og materielle og realiseres i form av musikalske bilder.
2. Ulike aktiviteter for produksjon, lagring, kringkasting, reproduksjon, oppfatning av musikalske verdier og verk.
3. Sosiale institusjoner og institusjoner involvert i ulike typer musikalsk aktivitet.
4. Enkeltpersoner som er involvert i skapelse, distribusjon, fremføring av musikk.
I en smalere forståelse av komponisten D. Kabalevsky er musikalsk kultur synonymt med uttrykket "musikalsk literacy." I følge musikeren manifesterer den seg i evnen til å oppfatte musikalske bilder, avkode innholdet og skille gode melodier fra dårlige.
I en annen tolkning forstås fenomenet som studeres som en viss generell egenskap hos en person, uttrykt i musikalsk utdanning og musikalsk utvikling. En person må ha en viss erudisjon, kjenne et visst sett med klassiske verk som danner hans smak og estetiske preferanser.
Ancient World Music
Historien om musikalsk kultur begynner i eldgamle tider. Dessverre er det fra de første sivilisasjonene ingen bevis på musikken deres. Selv om det er åpenbart at musikalsk akkompagnement av ritualer og ritualer eksisterte helt fra de første stadiene av menneskets samfunns eksistens. Forskere hevder at musikk har eksistert i minst 50 tusen år. Dokumentarisk bevis på eksistensen av denne kunsten vises fra det gamle Egypt. Allerede på den tiden var det et omfattende system med musikalske yrker og instrumenter. Melodier og rytmer ledsaget mange typer menneskelig aktivitet. På dette tidspunktet dukket det opp en skriftlig form for innspilling av musikk, som lar oss bedømme lyden. Fra tidligere tidsepoker er det bare bilder og restene av musikkinstrumenter som har blitt igjen. I det gamle Egypt var det hellig musikk som fulgte kulturen, i tillegg til at de fulgte med mennesker i arbeid og hvile. I løpet av denne perioden vises først lyttende musikk for estetiske formål.
I kulturen til det gamle Hellas når musikk den høyeste utviklingen for denne historiske perioden. Ulike sjangere dukker opp, instrumenter forbedres, selv om vokalkunsten dominerer på dette tidspunktet, skapes filosofiske avhandlinger som konseptualiserer essensen og formålet med musikken. I Hellas dukker et musikkteater først opp som en spesiell type syntetisk kunst. Grekerne forsto godt kraften i musikkens innflytelse, dens pedagogiske funksjon, derfor var alle frie borgere i landet engasjert i denne kunsten.
Middelalderens musikk
Etableringen av kristendommen i Europa påvirket karakteristikkene av musikalsk kultur betydelig. Et stort lag med verk vises til å tjene religionsinstituttet. Denne arven kalles hellig musikk. Nesten hver katolsk katedral har organer, det er et kor i hvert tempel, som alle gjør musikk til en del av den daglige gudstjenesten. Men i motsetning til hellig musikk, dannes det en folkemusikkultur, i det er karnevalsprinsippet som M. Bakhtin skrev om. På senmiddelalderen ble sekulær profesjonell musikk dannet, den ble skapt og distribuert av trubadurer. Aristokrati og riddere blir kunder og forbrukere av musikk, mens verken kirke eller folkekunst passet dem. Så det er musikk som gleder hørselen og underholder mennesker.
Renessansemusikk
Med å overvinne kirkens innflytelse på alle livets aspekter, fører de til begynnelsen av en ny tid. Idealene i denne perioden er eldgamle eksempler, og derfor kalles epoken renessansen. På dette tidspunktet begynner musikalsk kulturhistorie å utvikle seg hovedsakelig i den sekulære retningen. Under renessansen dukket det opp nye sjangre som madrigal, kor polyfoni, chanson og kor. I løpet av denne perioden ble nasjonale musikalkulturer dannet. Forskere snakker om fremveksten av italiensk, germansk, fransk og til og med nederlandsk musikk. Verktøysystemet i denne historiske perioden er også i endringer. Hvis tidligere orgelet var det viktigste, nå er strengene foran det, dukker det opp flere typer fioler. Slekten til tastaturer ble også betydelig beriket med nye instrumenter: clavichords, cembalo og noe som begynte å vinne kjærligheten til komponister og utøvere.
Barokkmusikk
I løpet av denne perioden tar musikken på seg en filosofisk lyd, blir en spesiell form for metafysikk, og melodien får spesiell betydning. Denne tiden av store komponister, i denne perioden skapte A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni. Barokktiden ble preget av fremveksten av slik kunst som opera, også på denne tiden ble oratorier, kantater, tokkater, fuguer, sonater og suiter først opprettet. Dette er en oppdagelsestid, komplikasjonen til musikalske former. I samme periode er det imidlertid en økende inndeling av kunst i høyt og lavt. Folkemusikkultur er skilt og ikke tillatt i det som i neste periode vil kalles klassisk musikk.
Klassikkens musikk
Frodig og overdreven barokk vender for streng og enkel klassisisme. I løpet av denne perioden er kunsten å musikalsk kultur endelig delt inn i høye og lave sjangre, kanoner etableres for de viktigste sjangrene. Klassisk musikk har blitt kunsten salonger, aristokrater, den gir ikke bare estetisk glede, men underholder også publikum. Denne musikken har sin egen, nye hovedstad - Wien. Denne perioden ble preget av utseendet til slike genier som Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. I klassisismens æra dannes endelig sjangersystemet for klassisk musikk, slike former som en konsert, en symfoni dukker opp, og en sonate blir omformet.
På slutten av 1700-tallet ble det dannet en stil med romantikk i klassisk musikk. Det er representert av slike komponister som F. Schubert, N. Paganini, senere ble romantikken beriket med navnene på Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. I musikk begynner tekst, melodi og rytme å bli satt pris på. I løpet av denne perioden ble nasjonale komponistskoler dannet.
Slutten av 1800-tallet var preget av antiklassiske stemninger i kunsten. Impresjonisme, ekspresjonisme, nyklassisisme, dodecafonia dukker opp. Verden er på grensen til en ny tid, og dette gjenspeiles i kunsten.
1900-tallets musikk
Det nye århundre begynner med proteststemninger, musikk gjennomgår også revolusjonerende endringer. Etter første verdenskrig søker komponister inspirasjon i fortiden, men ønsker å gi gamle former en ny lyd. Tidspunktet for eksperimenter begynner, musikken blir veldig mangfoldig. Klassisk kunst er assosiert med så store komponister som Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Begrepene atonalitet og aleatorikk dukker opp, noe som fullstendig endrer ideen om harmoni og melodi. I løpet av denne perioden vokser demokratiske prosesser i musikalsk kultur. Det er pop og fanger oppmerksomheten til publikum, senere er det en så protestmusikalsk bevegelse som rock. Dermed dannes en moderne musikalsk kultur, preget av et mangfold av stiler og retninger, en blanding av sjangre.
Den nåværende tilstanden til musikalsk kultur
På slutten av det 20. - begynnelsen av det 21. århundre gjennomgår musikk et stadium av kommersialisering, det blir et bredt distribuert produkt, og dette reduserer kvaliteten betydelig. I løpet av denne perioden utvides kapasitetene til instrumenter betydelig, elektronisk musikk og digitale instrumenter vises med enestående uttrykksressurser. Akademisk musikk er dominert av eklektisisme og polystylisme. Moderne musikalsk kultur er et stort lappeteppe, der de finner sin plass og sin avantgarde, og rock, og jazz, og nyklassisistiske trender og eksperimentell kunst.
Historie om russisk folkemusikk
Opprinnelsen til russisk nasjonal musikk må søkes i det gamle Russland. Man kan bedømme trendene i den perioden bare ved fragmentarisk informasjon fra skriftlige kilder. I disse dager var ritual- og hverdagsmusikk utbredt. Siden eldgamle tider var det profesjonelle musikere under tsaren, men betydningen av folkloreverk var veldig stor. Det russiske folket elsket og kunne synge, sjangeren med husholdningssanger var den mest populære. Med bruk av kristendommen ble russisk musikalsk kultur beriket med åndelig kunst. Kirkesang vises som en ny vokalsjanger. Imidlertid dominerte tradisjonell enstemmig sang i mange århundrer i Russland. Først på 1600-tallet tok den nasjonale tradisjonen for polyfoni form. Siden den tid har europeisk musikk kommet til Russland, med sine sjangre og instrumenter, og differensieringen til folkemusikk og akademisk musikk begynner.
Folkemusikk i Russland ga imidlertid aldri opp sine posisjoner, den ble en inspirasjonskilde for russiske komponister og var veldig populær blant vanlige mennesker og aristokratiet. Du kan se at mange klassiske komponister henvendte seg til folkemusikalsk bagasje. Så M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky brukte mye folklore-motiver i sine arbeider. I den sovjetiske perioden var folklore-musikk etterspurt på statsnivå. Etter kollapsen av Sovjetunionen opphørte folkloremusikken å tjene ideologien, men forsvant ikke, men tok sitt eget segment i den generelle musikalske kulturen i landet.
Russisk klassisk musikk
På grunn av det faktum at ortodoksi lenge har forbudt utvikling av sekulær musikk, utvikles akademisk kunst i Russland ganske sent. Fra Ivan the Terrible bodde europeiske musikere ved kongsgården, men det var ingen komponister ennå. Først på 1700-tallet begynte den russiske komponistskolen å ta form. Imidlertid var musikerne i lang tid påvirket av europeisk kunst. En ny æra med musikalsk kultur i Russland begynner med Mikhail Glinka, som regnes som den første russiske komponisten. Det var han som la grunnlaget for russisk musikk, som trakk temaer og uttrykksfulle virkemidler fra folkekunsten. Dette har blitt et nasjonalt spesifikt trekk ved russisk musikk. Som på alle livsområder, utviklet musikken retning av vestlige og slaviske. Førstnevnte inkluderte N. Rubinstein, A. Glazunov, sistnevnte - komponister av The Mighty Handful. Til slutt vant den nasjonale ideen, og alle russiske komponister i ulik grad, men har folklore-motiver.
Toppen av den pre-revolusjonære perioden med russisk musikk anses å være verk av P. I. Tsjaikovskij. På begynnelsen av 1900-tallet gjenspeiles revolusjonerende endringer i musikalsk kultur. Komponister eksperimenterer med former og uttrykksfulle midler.
Den tredje bølgen av russisk akademisk musikk er assosiert med navnene til I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin. Den sovjetiske perioden var mer en tid for utøvere, ikke komponister. Selv om fremragende skapere dukket opp på dette tidspunktet: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Etter Sovjetunionens sammenbrudd gikk akademisk musikk i Russland nesten fullstendig ut i forestillingen.
Populær musikk
Musikalsk kultur består imidlertid ikke bare av folkemusikk og akademisk musikk. På 1900-tallet inntar populærmusikk en full plass innen kunst, spesielt jazz, rock and roll og popmusikk. Tradisjonelt regnes disse retningene som "lave" i forhold til klassisk musikk. Populærmusikk vises med dannelsen av populærkultur, og den er designet for å betjene massenes estetiske behov. Pop art i dag er tett sammenvevd med konseptet show business, dette er ikke helt kunst, men industri. Denne typen musikkproduksjon oppfyller ikke den pedagogiske og formative funksjonen som ligger i kunsten, det er nettopp dette som gir teoretikere muligheten til å se bort fra popmusikk når man tar i betraktning historien til musikalsk kultur.
