Antonello da Messina er en berømt italiensk kunstner. I den tidlige renessansen representerte han den sørlige malerskolen. Han var lærer for Girolamo Alibrandi, som ble kalt den messinske raphaelen. For å oppnå fargedybde i skarpe portretter og poetiske malerier, brukte han teknikken til oljemaleri. I artikkelen vil vi ta hensyn til en kort biografi om kunstneren og dvele med verkene hans mer detaljert.
Representant for den nye retningen
Mange opplysninger om livet til Antonello da Messina er kontroversielle, tvilsomme eller tapte. Men det er tydelig at det var han som demonstrerte de lysende mulighetene for oljemaleri til venetianske kunstnere. Dermed la italieneren grunnlaget for et av de sentrale områdene for vesteuropeisk kunst. Etter eksemplet fra mange andre kunstnere fra den tiden, kombinerte Antonello den nederlandske tradisjonen for optisk nøyaktig overføring av bildedetaljer med italienske pittoreske nyvinninger.
Historikere har funnet en registrering som helten i denne artikkelen i 1456 hadde en student. Det er mest sannsynlig at maleren ble født før 1430. Neopolitan Colantonio var den første læreren til Antonello da Messina, hvis verk vil bli beskrevet nedenfor. Dette faktum bekrefter meldingen fra J. Vasari. Akkurat på den tiden var Napoli under kulturell innflytelse fra den iberiske halvøya, Nederland og Frankrike, i stedet for Nord-Italia og Toscana. Under påvirkning av arbeidet til Van Eyck og hans støttespillere økte interessen for maleri hver dag. Det ryktes at helten i denne artikkelen lærte teknikken for oljemaleri fra ham.
Portrettmester
Ved fødselen var Antonello da Messina italiensk, men i følge hans kunstneriske utdanning var han stort sett en del av de pittoreske tradisjonene i Nord-Europa. Han malte vakkert portretter, som utgjorde nesten tretti prosent av hans gjenlevende arbeider. Vanligvis skildret Antonello modellbrystet og nærbildet. I dette tilfellet ble skuldrene og hodet plassert mot en mørk bakgrunn. Noen ganger i forgrunnen malte kunstneren en brystning med en kartellino festet til den (et lite stykke papir med inskripsjon). Den illusjonistiske nøyaktigheten og grafikken i overføringen av disse detaljene indikerer at de er av nederlandsk opprinnelse.
"Mannsportrett"
Dette maleriet ble malt av Antonello da Messina i 1474-1475. er et av hans beste verk. Mesterens palett er begrenset til mettet brun, svart og individuelle slag av kjøtt og hvitt. Unntaket er den røde hatten, supplert med en peeling mørkerød stripe av den nedre kjolen. Den indre verdenen av den malte modellen blir praktisk talt ikke avslørt. Men ansiktet stråler intelligens og energi. Antonello modellerte veldig chiaroscuro. De skarpe ansiktsfunksjonene kombinert med lysspillet gir Antonellos verk et nærmest skulpturelt uttrykk.
"Dette er en mann."
Portretter av italieneren tiltrekker betrakteren med en blank, blank overflate og kameraformat. Og når da Messina overfører disse egenskapene til religiøst maleri (maleriet “Dette er en mann”), blir synet av menneskelig lidelse veldig uutholdelig.
Med tårer i ansiktet og et tau rundt nakken, stirrer den nakne Kristus intenst på betrakteren. Figuren hans fyller nesten hele feltet på lerretet. Tolkningen av plottet er litt forskjellig fra ikonmalerietemaet. Italieneren søkte å virkelig formidle det psykologiske og fysiske bildet av Kristus. Det er dette som får betrakteren til å fokusere på betydningen av Jesu lidelse.
“Maria Annunziata” av Antonello da Messina
Dette arbeidet, i motsetning til bildet "This is a man", er helt annerledes i humør. Men fra betrakteren krever hun også indre opplevelse og emosjonell deltakelse. Når det gjelder Maria Annunziata, setter Antonello som om betrakteren på erkeengelen sted i verdensrommet. Dette gir en følelse av mental medvirkning. Jomfru Maria, som sitter ved musikkstativet, med venstre hånd holder det blå dekselet kastet over henne, og hun løfter den andre hånden. Kvinnen er helt rolig og gjennomtenkt, sitt jevnt opplyste, skulpturelle skulpturerte hode som om stråler lys mot den mørke bakgrunnen på bildet.
“Maria Annunziata” er ikke det eneste byste-portrettet av en kvinne malt av Antonello da Messina. “Announcement” er navnet på et annet lignende lerret av maleren, som skildrer den samme jomfru Maria, bare i en annen stilling: hun holder det blå sløret med to hender.
I begge maleriene prøvde kunstneren å uttrykke en følelse av en kvinnes åndelige forbindelse med høyere krefter. Ansiktsuttrykket hennes, posituren til hendene og hodet, så vel som blikket, forteller betrakteren at Mary nå er langt fra den dødelige verden. En svart bakgrunn av malerier understreker bare løsrivelsen av Jomfruen.
"St. Jerome i cellen "
På bildene over er det ikke engang en minimal interesse for problemet med overføring av det omkringliggende rommet. Men i andre arbeider er maleren i så henseende betydelig foran sin tid. I maleriet "St. Jerome i cellen ”skildrer en helgenlesning på et musikkstativ. Kontoret hans ligger inne i den gotiske hallen, på bakveggen hvor vinduer i to etasjer er kuttet. I forgrunnen er bildet innrammet av en kant og en bue. De blir oppfattet som et proskenium (en teknikk som er vanlig i kunsten i land som ligger nord for Alpene). Steinsennepsfargen understreker kontrasten til skygge og lys inne i et hulelignende rom. Detaljene i bildet (landskap i det fjerne, fugler, gjenstander i hyllene) overføres med en veldig høy grad av nøyaktighet. Denne effekten kan bare oppnås ved å påføre oljemaling med ganske små slag. Men den viktigste fordelen med å male da Messina er fremdeles ikke i pålitelig overføring av detaljer, men i den stilistiske enheten til luftmiljøet og lyset.
Monumentalt alter
I årene 1475-1476. kunstneren bodde i Venezia. Der malte han et storslått alter for San Cassiano-kirken. Dessverre er det i dag bare den sentrale delen som er bevart, som skildrer Madonna og barnet som reiser seg på tronen. På begge sider av det er de hellige. Dette alteret hører til typen sakra-konvertering. Det vil si at Madonna and Child og de hellige er i samme rom. Og dette er motsatt i form av en polyptych delte deler. Gjenoppbyggingen av det monumentale alteret var basert på de senere verkene til Giovanni Bellini.
Pieta og korsfestelsen
Antonello oljemaleri, eller rettere sagt evnen til å overføre belysning med denne teknikken, ble veldig høyt verdsatt av hans medkunstnere. Siden den tiden var venetiansk kolorisme utelukkende basert på utviklingen av det store potensialet i en ny retning. Verkene fra da Messina fra den venetianske perioden har den samme konseptuelle tendensen som hans tidligere verk. Det sterkt slette maleriet “Pieta”, selv i en så skadet tilstand, fyller publikum med en intens følelse av medfølelse. På lokket til graven er tre engler som holder Kristi døde kropp med pigget spisse vinger. Kunstneren skildret en sentral figur nærbilde.
Det er som presset til overflaten av lerretet. Empati med den avbildede lidelsen - det var det, ved bruk av teknikken ovenfor, søkte Antonello da Messina. "Crucifixion" er et annet bilde av maleren. Det ligner i tema som Pieta. Lerretet skildrer Jesus korsfestet på korset. Mary sitter til høyre og apostelen Johannes til venstre. I likhet med Pieta, har lerretet sikte på å fremkalle empati med betrakteren.
"Saint Sebastian"
Dette bildet er et eksempel på hvordan Antonello konkurrerte i skildringen av heroisk nakenhet og dyktigheten til å formidle et lineært perspektiv med sine nord-italienske kolleger. På bakgrunn av et steinbelagt torg tar kroppen til en helgen gjennomboret med piler enorme dimensjoner. Rush dypt inn i rommet, et fragment av kolonnen i forgrunnen, og et perspektiv med et veldig lavt forsvinningspunkt, sier at maleren brukte prinsippene for euklidisk geometri i konstruksjonen av komposisjonen.
